URBAN GLIMPSE – JUAN ZURITA.

Urban Glimpse transforme la galerie en une succession de vitrines qui nous invite à observer ce qu´elles exhibent. Avec les huiles de Juan Zurita, dans lesquelles la lumière et la couleur sont déterminantes, la ville s´approprie de l´espace: images de nuit des zones commerciales transitées par les jeunes citadins, dont “ l´artiste – voyeur”, se promène, caméra en main, à mode de prothèse oculaire, tout en se promenant et par hasard, sans aucune autre intention que de capter et de prendre ses pulsations. Après la déconstruction du film en photogrammes dont il classifie de manière presque taxonomiquement, fait une sélection et puis les reporte sur la toile, vignette à vignette il donne forme à une épopée visuelle de l´homme contemporain et occidental. Faisant appel à l´exercice baroque de répétitivité dans la mise à jour du cadre dans le cadre, ineffable recours théorique, l´horizon de toutes les œuvres sont les vitrines de la grande ville avec ses néons lumineux omniprésents, messages clefs typographique qui meublent l´inconscience collectif de la société de consommation, son énergie, vitalité et courant, frénétique, mais aussi ses maux: isolement - manque de communication, sur-consommation, dépersonnalisation-chosification-massification et anxiété, dans le transit rapide et inexorable vers un destin commun de plus en plus globalisé.
L´emblème du cinéma productif, que Moholy-Nagy a essayé de mener à bout sans succès avec la production cinématographique de son ébauche manuscrit «Dynamique de la grande ville» (1921- 1922), qui consistait exactement à obtenir un effet visuel qui ne correspondait pas à un scénario ni à aucune logique méditative, seul le résultat de regrouper des événements spatio-temporels avec beaucoup de mouvements «en arrivant même à la brutalité», équivalence visuelle, mobile et sonore du dérèglement provoqué par l'expérience de l'être humain de la métropole. Ruthman a pu terminer son projet similaire «Berlin, symphonie d'une ville», que Tim White Sobiestry a évoqué récemment dans «New York Suite». Simple esthétique de la lumière, ce qui n'était pas un obstacle pour Moholy- Nagy qui en a conclu que esthétique et éthique sont inséparables en attribuant à toute son œuvre une fonction pédago-idéologique.
Au début des années 20, les constructivistes russes, Rodchenko, Pevsner et Gabo, se débattaient entre dénoncer la peinture figurative et la proclamation de la mort de l'œuvre sur chevalet, dans le cadre de l'exigence d'un art lié à la production interprétée comme création face à la reproduction, qui prétendait substituer le statique pour la cinétique. Mohoby-Nagy considérait que la photographie et le cinéma partageaient le même problème de «structure optique» qu'avec la peinture, ce qui mena à établir un dialogue entre l'exercice artistique avec comme objectif de concilier les 3 moyens dans une constance interaction, circulation et échange, sans jamais nier le caractère d'autonomie créative des deux premiers, sans non plus nier sa valeur auxiliaire de la dernière. De son incessante expérimentation jaillit le photogramme, ne restant plus qu'à déterminer si avant ou après le « rayogramme » de Man Ray. Dans les deux cas un effet «sublime, rayonnant et presque immatériel se produit, source d'émotion optique», selon ses paroles, dont Ray se sert pour «attribuer une auréole au quotidien». Le photogramme expresse une façon étonnante le difficile façonnage des relations espace-temps-mouvement-vitesse.
Les figures que nous pouvons voir dans les toiles de Zurita sont sur le point de se liquéfier, de s'évaporer avec une apparence évanescente, presque fantasmatique; parfois entourées dans une lueur qui semble disparaître, à mode de trainée lumineuse avec un déplacement rapide. C'est le résultat de la technique de l'image congelée, avec plus ou moins de pixels et dans le programme d'un acte prédéterminé de défigurer chaque individu dans l’anonymat - l'élever de la «vulgarité et ordinaire continuation collective», que Otto Rank a établi comme moteur de la création artistique. Hannah Arendt a écrit que «même dans les temps les plus sombres nous avons le droit d'espérer une certaine illumination; cette illumination peut nous satisfaire avec plus de concept de lumière incertaine qu'avec de la théorie, scintillante et souvent faible qui irradie certains hommes et femmes dans leurs vies et leurs œuvres, dans presque toutes les circonstances » l'œuvre de Zurita n'échappe pas non plus à l'hermétique».
Zygnut Bauman a défini l'idée de mortalité liquide et attribue la qualité du permanent seul à l'effet de caractère transitoire dans un monde liquide, sans mémoire, dans lequel le temps s’écoule, de manière de plus en plus rapide, en marquant le rythme des changements continus et il semble qu'avec l'unique fin du mouvement en soi. Dans les derniers temps de forme violente, jusqu'à la turbulence, un "problème exhaustif de la vie réelle" pour le physicien Rossner, avec sa correspondance dans les conflits d'ordre social et politique, en débouchant au chaos, déterminées situations chaotiques qui ne manquent pas d’un certain ordre: "l’effet papillon" d'Edward Lorenz ou "l’ordre libre" de Stuart Kauffman. Du général à l'individuel, cela abouti à l'impossibilité de solidification – nouaison - de concepts comme les règles, les structures ou les réseaux, la famille, la classe, le voisinage, la communauté ... l'art même dans plusieurs occasions, changé en objet de consommation. La consommation est l'un des symptômes de la maladie, ou la maladie sociale par excellence, c'est le concept opposé à l'impérissable, qui est basé sur l'association et la continuité avec les contacts temporels.

Isabel Hurley